La Renga-InsoportablemENte VIVO (2001)



¿Que decir de un disco como este? elijo este material para dar inicio a este nuevo año (nuestro tercer año online) por varios motivos, el mas importante de ellos es la fuerza, esa energia que se trasmite a travez de este recital es lo mejor que se puede ofrecer a nuestros oyentes.Energia, mucha y de la buena.Este recital lo tiene, por eso se publica.
Elijo La Renga, una de las bandas mas influyentes del actual rock actual en Argentina, una de la bandas con mas años en los escenarios que aun sigue en la ruta y sin duda, la banda mas convocante del rock Argentino , heredera de las multitudes de la mitica "Patricio Rey y sus redonditos de Ricota".
Musicalmente se nota al trio formado por Chizzo (voz y guitarra) , Tete (Bajo) y Tanque (Bateria)
mas el saxofonista Chiflo ,una banda muy solida y compacta, con muchos años arriba del escenario.Con la participacion de grandes del rock como Ricardo Mollo (Sumo-Divididos) y el internacional Pappo .
A la lista de temas no hay nada que pedirle, son 31 temas cargados de poder y exitos, se hace incapie sobre todo en "Despedazado por mil partes" y "La esquina del infinito" , sus discos mas recordados.
Se elije la renga por ser hoy una de las bandas mas representativas del Rock Argentino actual, aunque no se refleje en el exterior, y se elije este disco por ser un disco que muestra mas que fielmente la esencia del publico argentino, muestra mas que fielmente la fuerza de 60000 almas que cantan todos los temas de principio a fin con una energia que contagia e invita a meterse de lleno en el medio del recital.
Salud.



01 Panic Show
02 Motoralmaysangre
03 Al que he sangrado
04 Bien Alto
05 Cuando Vendran
06 En el Baldio
07 El Mambo de la Botella
08 Blues Cardiaco
09 El Terco
10 En Pie
11 El Cielo del desengaño
12 Lo Fragil de la Locura
13 Un Tiempo Fuera de Casa
14 La Vida las mismas Calles
15 El Twist del Pibe
16 El Hombre de la Estrella





01 Paja Brava
02 Oportunidad Oportuna
03 2+2=3
04 Arte Infernal
05 El Circo Romano
06 Cuando estes Acá
07 Balada del Diablo y La Muerte
08 El rey de la triste felicidad
09 El final es en donde partir
10 Me Hice cancion
11 Psilocybe mexicana
12 El Revelde
13 Estalla
14 Hey Hey,My My
15 Hablando de Libertad


Pearl Jam -Ten (1991)




Ten es el nombre del primer disco oficial de Pearl Jam, grupo originario de Seattle. Este álbum el resultado final de un largo proceso iniciado por el trío Gossard/Ament/McCready, ya que la mayoría de las canciones provienen del mítico Gossman Project, complementado por nuevas composiciones de ellos mismos o de Eddie Vedder ya plenamente integrado a la banda.

El álbum se convirtió en uno de los discos trascendentales en la escena musical norteamericana en la década de los noventa, equiparándose al efecto producido por el disco Nevermind de Nirvana, banda también salida de la escena de Seattle. Pearl Jam se volvió de la noche a la mañana, gracias a Ten, una de las bandas más exitosas de entre todas las surgidas en la ciudad de Seattle.

DESCRIPCION

Ten produjo tres sencillos que se convirtieron en éxitos: "Even Flow", "Alive", y "Jeremy". Realizaron para cada canción un vídeo promocional. La canción "Black" alcanzó el lugar #3 en la lista de Mainstream Rock, a pesar de no haber sido lanzada como sencillo, además de que canciones como "Once" y "Why Go" recibieron una difusión en medios considerable, lo que aumentaría en gran medida la popularidad del grupo. La última canción del álbum, la tranquila y meditativa "Release", curiosamente se ha convertido en una de las canciones preferidas por el grupo para abrir sus conciertos.

A pesar del tono rosado de la portada y de su fotografía con todos ellos unidos, las once canciones del álbum hablan acerca de cuestiones como la depresión, el suicidio, la soledad y la muerte. Mucha gente ha tomado a la canción "Alive" como un himno inspiracional por su intento de elevar la música y el coro hacia el final. Sin embargo, Vedder ha revelado que la canción tiene un cierto toque biográfico, ya que habla acerca de como un niño descubre que su padre es en realidad su padre adoptivo, mientras su madre comienza a acosarlo sexualmente debido a su gran parecido con su padre biológico.

En el año 2009 el album Ten fue reeditado en varias versiones, desde una edición sencilla que incluye el album original remasterizado y otro disco del mismo album pero con la mezclas de Brendan O'Brien e incluyendo temas inéditos; hasta una version de lujo que incluye CDs, DVDs, LPs, Cassetes, imágenes y notas personales de la banda.

El 13 de junio de 1992 en un concierto en Múnich, Alemania, el grupo tocó el álbum completo en el orden exacto de las canciones como parte del mismo. Algo parecido lo harían mucho tiempo después, el 19 de septiembre de 2006, pero en esta ocasión para su álbum homónimo.

01. Once
02. Even Flow
03. Alive
04. Why Go
05. Black
06. Jeremy
07. Oceans
08. Porch
09. Garden
10. Deep
11. Release


Slayer - Reign In Blood (1986)




Slayer puede ser el grupo más irreverente que haya pisado este mundo, pero es innegable que sin haberse alejado ni siquiera un instante de su línea musical tan extrema es reconocido por todo el mundo y que han inspirado a miles de grupos, motivo por el cual ha sido "víctima" de varios tributos.

Slayer es el dueño de uno de los discos más importantes de toda la historia del mundo del Heavy Metal el REIGN IN BLOOD, ¿por qué?, porque simplemente nadie ha podido siquiera acercarse a la forma tan bestial, devastadora y veloz de tocar Thrash Metal conjugado con una melodía como lo hizo Slayer aquí y que ha sido el punto de partida para que otras bandas por todo el orbe se inspiren y

Inicia el disco con "Angel Of Death", canción convertida en clásico de todos los tiempos, que representa al género en su máxima expresión y que te vuela los sesos sin misericordia alguna. Es una canción que te hechiza y que ya por si sola hace que te digas ya lo oí todo, solo ella vale el disco, pero resulta que todo lo que sigue te causará el mismo efecto.

"Piece By Piece" es arrolladora, 2:02 minutos de velocidad pura, "Necrophobic" más aun 1:38 de muerte hecha canción, "Altar Of Sacrifice" nos deja medio respirar pero con una de las línea más inolvidables del Metal: "ENTER TO THE REALM OF SATAN". Pero el "descanso" es ínfimo, imediatamente después, Tom Araya vuelve a hacer alarde de su capacidad de cantar a la misma velocidad de la música y nos deja con la letra del disco en la mano y sin poder siquiera seguirlo una sola línea en "Jesus Saves".

"Criminally Insane" tiene uno de esos inicios que nunca se te olvidan, sube y baja la velocidad que da vertigo, seguidamente Reborn, ¡¡¡que aplanadora!!!, para continuar con una de mis favoritas "Epidemic" que entra con una batería hiperveloz (sello del álbum y Lombardo) una melodía exquisita y que te contagia de la epidemia, por si no habías terminado de contrarer la enfermedad de SLAYER.

"Postmortem" simplemente es eso, ya en este punto tienes rato de haber muerto, pero la canción no es del todo rápida y te ayuda a resucitar sin que te pase por la cabeza lo que te espera para el "gran finale" (obviamente cuando lo escuchaste por primera vez), "Postmortem" se acelera, al final queda solo una guitarra y... pum pum pum se escucha la tormenta... pum pum pum... como en la mejor película de terror nos quedamos al filo del asiento esperando a ver que pasa y cuando entra esa línea de guitarra inconfundible de "Raining Blood" nuestro corazón definitivamente deja de latir, porque simplemente ya no se puede más.

¿Que nos queda ?, pues nada, recuperar el aliento, volverlo a poner y morir de nuevo. Es impresionante y eso que solo dura 28 minutos.

Reseña



1. Angel Of Death
2. Piece By Piece
3. Necrophobic
4. Altar Of Sacrifice
5. Jesus Saves
6. Criminally Insane
7. Reborn8. Epidemic
9. Postmortem
10. Raining Blood
11. Aggressive Perfector (bonus track)
12. Criminally Insane (remix, bonus track)


Rata Blanca- Magos, espadas y Rosas (1989)





Editado en 1989 por Polygram y alcanzando en menos de ocho meses el Disco de Oro, siendo uno de los discos más vendidos de la historia del rock argentino y sudamericano haciendo que el heavy metal, inconscientemente, subiera a puestos inesperados e inalcanzables hasta ese momento. Este es el primer disco grabado con el cantante Adrián Barilari y el tecladista Hugo Bistolfi...




A fines de los 80, el heavy argento tambaleaba por la retirada de sus dos patriarcas fundadores: Pappo habia disuelto la discutida formacion de Riff con JAF y Moro y volvia al blues; mientras que el V8 de Iorio venia de colapsar tras su vuelco al cristianismo, y su diáspora (Hermética, Horcas, Logos) recien cortaba los dientes de leche.

Tampoco movia el amperimetro la variante hair, encarnada por bandas como Alakran y Fiesta Americana.
Se Necesitaba un giro de llave que dejara entrar en el metal local todos esos elementos que hacian proliferar el genero en Anglosajonia.

Y para eso llegó Magos, espadas y rosas (1990), un trabajo que los puristas prodrán discutir, pero al que nadie desestimará en su rol de oportuno salvavidas de nuestra escena pesada. Una Obra de arte en el que cada uno de sus creadores se encontraban en sus pico maximo de inspiracion, destreza y hablidad.

Giardino Había formado el grupo en 1987, tras pasar fugazmente por una de las ultimas encarnaciones de V8. Tuvo a su propio Paul Di'Anno en Saúl Blanch, ex vocalista de Plus en los 70, con quien grabó un debut homónimo que no tuvo el éxito esperado (años mas tarde, como suele pasar, este trabajo sería rescatado por el ratismo extremo como el portador del verdadero espíritu de la banda), por lo que se abrió así la primera de muchas puertas: la que dejó entrar a Adrián Barilari. El joven e inquieto vocalista de pelo corto completó la fórmula de "guitarrista místico + frontman carismático" y fue clave en el nuevo estilo de grupo, una cruza entre el heavy clásico de Rainbow, el power épico de Helloween y -tambien- una pizquita de soft metal californiano.

Miembros:

  • Walter Giardino - Guitarra líder
  • Adrián Barilari - Voz
  • Sergio Berdichevsky - Guitarra rítmica
  • Gustavo Rowek - Bateria
  • Guillermo Sánchez - Bajo
  • Hugo Bistolfi - Teclados


Si uno tomaba como botón de muestra el tema de apertura "La Leyenda del hada y el Mago", que Rata eligiera un titulo como "Magos, espadas y rosas" era como si Riff titulara uno de sus discos "Cuero, fierros y minas": una especie de catálogo de lo que se oiría al posarse la púa sobre el negro vinilo. Así se abrió un nuevo portal: el que permitió que ingresaran al metal nacional los elfos y las brujas y los bosques y los dragones de J.R.R. Tolkien, temática que nunca terminó de prender en la escena argentina, siempre mas afecta a las letras contestatarias legadas por V8.

Y qué otra entrada inauguraron??

La del violero divo, extravagante, virtuoso y veloz, nieto de Ritchie Blackmore e hijo de Yngwie Malmsteen.
Hablábamos antes de la veta soft, y es ésta la que funciona como pasadizo para otro factor que hasta ese momento no habia pisado la escena local: los sentimientos. "Porque es tan dificil amar", se preguntan en un instrumental, cosa que habria horrorizado a las brigadas metálicas apenas un par de años atras. Pero si de fundamentalistas escandalizados hablamos, nada supera a "Mujer Amante", el aterrizaje definitivo de la mas rara avis del heavy: el hit crossover, la canción que entonan hijos y madres, el himno que termina sonando en las FM entre Haddaway y Luis Miguel hasta que Giardino y compañia le bajan el pulgar, hartos de la excesiva exposición que acaba por hacerles ganar, al mismo tiempo, el favor del publico pop y la desconfianza de la intelligentzia dura.

Fueron tiempos de vale todo: decenas de miles de copias en circulacion, discos de platino, shows con orquesta sinfónica y piezas de Bach; Vélez hasta la manija, bailantas, playbacks en Ritmo de la Noche.

Que quedó?:

- Popularidad, claro: veinte años después, siguen vendiendo y convocando. Pero tambien parquedad y recelo, reciduo de una época brillante que se hizo áspera por culpa de los dos crímenes menos perdonables del metal: llegar primero y pegarla.


1. "La leyenda del hada y el mago" - 5:24
2. "Mujer amante" - 6:05
3. "El beso de la bruja" - 4:19
4. "Haz tu jugada" - 6:22
5. "El camino del Sol" - 9:28
6. "Días duros" - 7:24
7. "Por qué es tan difícil amar" (instrumental) - 5:33
8. "Preludio obsesivo" (instrumental) (tema extra) - 3:40
9. "Otoño medieval" (instrumental) (tema extra) - 2:34


John Lennon- Imagine (1970)






Imagine es el segundo álbum de estudio de John Lennon y es considerado como su trabajo más popular como solista. Grabado y publicado en 1971, el álbum contiene canciones más sofisticadas, más comerciales y menos vanguardistas que en sus anteriores proyectos, como John Lennon/Plastic Ono Band. Según Lennon, la diferencia entre Imagine y sus trabajos previos era el "baño de chocolate para el consumo público" del primero,en referencia a los arreglos de cuerda que prevalecen durante todo el álbum.

Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon.
En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD.
En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1. "Imagine" – 3:01
2. "Crippled Inside" – 3:47
3. "Jealous Guy" – 4:14
4. "It's So Hard" – 2:25
5. "I Don't Wanna Be a Soldier Mama I Don't Wanna Die" – 6:05
6. "Gimme Some Truth" – 3:16
7. "Oh My Love" (John Lennon, Yoko Ono) – 2:44
8. "How Do You Sleep?" – 5:36
9. "How?" – 3:43
10. "Oh Yoko!" – 4:20


Vox Dei -La biblia (1971)





Vox Dei fue una de las bandas pioneras del rock cantado en español, en Argentina. La que constituyó uno de sus primeros hitos al presentar la que debió ser la primera obra conceptual del rock argentino, La Biblia, inspirada obviamente en los textos sagrados.

Vox Dei, una banda pionera del rock en Argentina

Constituida por Ricardo Soulé (guitarra y voz), Juan Carlos Godoy (guitarra), Willy Quiroga (bajo y voz) y Rubén Basoalto (batería), la banda Vox Dei apareció en 1968, integrando una de las bandas inaugurales del rock en Argentina, junto a otras tales como Los Gatos, Almendra y Manal.

Su primer disco apareció en 1970, Caliente, poniéndose a trabajar rápidamente en la composición de La Biblia, la que terminaría por ser la obra cumbre del grupo, que se publicaría un año más tarde.

La banda produjo tres discos más, pero en 1974 Ricardo Soulé anunció su retiro de la formación, algo que anteriormente ya había hecho Juan Carlos Godoy.

Nunca se resolvió el tema de si la composición de La Biblia pertenecía absolutamente a Soulé, o si había sido realizada en colaboración con Quiroga, algo que originaría fricciones en la relación y terminaría por desgastar a la banda.

Ya como solista, Soulé emprendería una obra sobre el Cantar del Mío Cid, también en versión rock, pero nunca pasó de la presentación de dos o tres canciones.
"La Biblia", la obra cumbre de Vox Dei

Enseguida de darse a conocer la elaboración del trabajo, el Arzobispado de Buenos Aires se mostró muy interesado al enterarse de la factura del producto, pero enseguida se volcó a favor de la obra, encontrándola recomendable para la juventud, y sorprendiéndose de la enorme capacidad de síntesis (el disco dura apenas cincuentaiséis minutos), por lo que el mamotreto pudiera reflejarse fielmente en apenas un puñado de canciones.


Lejos de sonar a banda de Acción Católica, la obra de Vox Dei es irrefutablemente rock, con una poética despojada de todo partidismo religioso y pretensión evangelizadora; antes bien, es un mensaje de amor universal, más parecido a lo que como antecedente puede encontrarse en Jesucristo Superstar.
Redaccion (Roberto Langella. )

La lista de canciones es la que sigue:

* Génesis
* Moisés
* Las guerras
* Profecías
* Libros sapienciales
* Cristo (Nacimiento)
* Cristo (Muerte y Resurrección)
* Apocalipsis (instrumental)



B.B King -Live (2008)


Riley B. King mejor conocido como B.B.King… Grabado en vivo en 2008 desde los B.B. King Blues Club’s en Nashville y Memphis.Un show similar al que pudimos disfrutar durante el mes de marzo en Argentina.Una grabacion impecable con la magia de siempre.Disfrutenlo

01. Mr. King Comes On Stage
02. Why I Sing The Blues
03. I Need You So
04. Bad Case of Love
05. Bluesman
06. When Love Comes to Town
07. All Over Again
08. You Are My Sunshine
09. Rock Me Baby
10. Key To The Highway
11. Thrill Is Gone
12. When The Saints Go Marching In


Pink Floyd - Animals (1977)





En 1975, los Pink Floyd ya habían exorcizado la salida de Syd Barret, con el impresionante ábum tributo Wish You Were Here. Aunque, escuchando los reportajes, hasta estos días manifiestan algo de culpa por no haber podido ayudarlo. Casi podríamos decir que “le soltaron la mano” poco tiempo después que David Guimour -el salvador que llegó cuando Syd ya no funcionaba- se incorporaba al grupo.En 1976, pero editado en el ´77, hacen ANIMALS. Este disco se trata de una obra conceptual. La historia está basada en la novela “Rebelión en la Granja” (Animal Farm - 1945) de George Orwell. La novela trata de un grupo de animales que, en una granja, eran sometidos por el humano. Los animales se organizan y se revelan al orden, tomando el control y echando al hombre del lugar. De a poco, la comunidad liberada se va volviendo anárquica, y como contrapartida del ese caos, surje un nuevo orden (al cual estaban al mando los cerdos), que resulta igual o peor que el anterior. La figura del cerdo fue utilizada recurrentemente por Pink Floyd hasta estos días. Con ella representan su posición contestataria frente al sistema.



Ya en este disco comienzan los problemas en el grupo que desembocaron luego con la salida de Roger Waters de la banda. Es que hasta Wisk You Were Here, los temas eran compuestos entre todos, o con participación de todos. En Animals (y mucho peor en The Wall, el siguiente álbum), ya la posición de líder de Waters era absoluta. Casi los trataba como si fuesen “su banda” y, si bien la fuerza y empuje que Waters tenía en ese momento era impresionante (reconocido por los otros, tanto en calidad como en energía), el resto lo sintió avasallante y comenzaron a sentirse molestos.

Salvo un tema (Dogs, por Guilmour), todo fue obra de Waters. Los Lyrics, el concepto de la obra, el diseño, hasta el cerdo colgado entre las enormes chimeneas de la refinería de carbón “Battersea Power Station”.

El resultado de tanta fuerza y crisis revuelta fue, pese a todo, excelente. Es uno de los álbumes más profundos de Pink Floyd, y si bien para mí lo mejor de Floyd son El Lado Oscuro y Wish You… Animals y The Wall vienen inmediatamente atrás.
Redaccion


01 - Pigs On The Wing (Part 1)
02 - Dogs
03 - Pigs (Three Different Ones)
04 - Sheep
05 - Pigs On The Wing (Part 2)


Willie Dixon - I Am The Blues(1970)



1.- Back Door Man
2.- I Can't Quit You, Baby
3.- The Seventh Son
4.- Spoonful
5.- I Ain't Superstitious
6.- You Shook Me
7.- I'm Your Hoochie Coochie Man
8.- The Little Red Rooster
9.- The Same Thing


Guns N' Roses -Greatest Hits (2004)





Guns N’ Roses es una banda de hard rock que nació en Los Ángeles, en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Tracii Guns e Izzy Stradlin, el bajista Ole Beich, y el baterista Rob Gardner. El nombre deriva de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los L.A Guns y los Hollywood Rose. Su primer concierto tuvo fecha el 26 de marzo de 1985 en el Troubador (Hollywood, California). Hasta el momento han vendido 100 millones de copias.

Hollywood Rose fue la banda creada por Jeffrey Isabell (Izzy Stradlin) y William Rose (Axl Rose) después de dejar Lafayette, Indiana y establecerse en Los Ángeles. Posteriormente se transformaría en una de las bandas más importantes de hard rock de finales de los ochenta e inicios de los noventa: Guns N’ Roses.

Tras su formación en 1985 debutaron como banda en el Troubadour Club, realizando su primera gira llamada The Hell Tour por clubes de Seattle, Portland, Eugene, Sacramento y San Francisco. Dicha gira no llegaron a finalizarla debido a una avería en la furgoneta en la que viajaban que les obligó a regresar a Los Ángeles. Siguieron haciendo actuaciones esporádicas en locales de Hollywood consiguiendo una cierta reputación. Todos vivían y ensayaban en la misma habitación.

Guns N’ Roses regresa al panorama musical tras diez años de ausencia. Este greatest hits está formado por 14 temas y recorre toda la carrera del grupo desde sus inicios, con temas que les pusieron en la parte de arriba de las listas musicales. Además se incluye por primera vez el tema de los Rolling Stones “Simpathy For The Devil” perteneciente a la banda sonora de la película de 1995 “Entrevista con el Vampiro”.

1. Welcome to the jungle
2. Sweet Child o’ Mine
3. Patience
4. Paradise City
5. Knockin’ on Heaven’s Door
6. Civil War
7. You Could Be Mine
8. Don’t Cry (original version)
9. November Rain
10. Live and Let Die
11. Yesterdays
12. Ain’t It Fun
13. Since I Don’t Have You
14. Sympathy for the Devil


Testeando


Confirmo:Sos mas que ignorante.
A vos te parece que DEVOLVER la tierra a sus historicos y legitimos ocupantes es dilapidar las mismas?
Que tipo de progreso supone el regalarle tierras a un tipo que viene a destruir el medio ambiente poniendo una pista de sky, o un hotel cinco estrellas, o a ponerse un ranchito con "laguito propio" adentro.

¿Que nocion de progreso tenes?¿Donde está el beneficio en la privatizacion y la extrangerizacion del sur argentino? ... Ver más
¿Sabes cual es la nocion de progreso que tienen en tu amado y ejemplar Norte de america?
¿Sabes porque hoy tenemos el porcentaje de indigentes y pobres en argentina?¿Sabes porque tenemos los porcentajes de muerte por desnutricion y enfermedades que creiamos erradicadas?¿Sabes porque el gobierno Argentino utiliza los planes sociales y asignaciones para alimentar su aparato electoral?¿Sabes porque la gente necesita de esos planes sociales para comer?
Te respondo, todo eso sucede porque IMBECILES como vos apoyan una nocion de progreso basada en la historica practica de cagarse en el grueso de la poblacion (ese que mueve al pais con su trabajo) y tranza con los paises centrales,entrega el culo, entrega todos nuestros bienes comunes (para vos recursos naturales) para hacer su propio negocio.Piensan que sus hijos van a comer papeles verdes y van a beber agua de mar . se cagan hasta en sus propios hijos.
Todo eso que mencione arriba existe porque imbeciles como vos creyeron que lo mejor era vender todo en los 90,entregar el culo a washington y reventar escuelas,hospitales y regalar petroleo y demas "recursos".Y lo Festejaron.
Tu nocion de progreso es inviable,seria mejor si ignoras esto te informes y no hagas "Gala" de tu ignorancia.

Leon Gieco- De ushuaia a la quiaca (1985)



El proyecto "De Ushuaia a la Quiaca", consistió en ir a los lugares donde la música misma náce y grabarla en su ambiente natural y no llevar los músicos a un estudio de grabación en una ciudad grande donde perderían parte del sentimiento que dá el lugar de origen. Para ello se viajó con un estudio móvil de grabación de 16 canales , dentro de una combi (camioneta cerrada) se tenía la "cabina de grabación" que le servía al ingeniero Gustavo Gauvry para monitor de lo que se estaba grabando. En la mayoría de los lugares no se tenía acceso a electricidad entónces se usaba un generador eléctrico portátil y se lo ponía a más de 200 metros para que el ruido no se grabara. Cuando se grabó en el sur argentino hubo una ocación en que el frío era tan grande que los micrófonos tendían a congelarse y había que darles calor para que funcionaran correctamente. También se tomaron cerca de 2000 fotografías y se grabaron mas de 50 horas de video registrando los momentos mas gloriosos de la gira.
De Ushuaia a la Quiaca es un proyecto que no regístra antecedentes en la historia de la música argentina. Más de 600 conciertos recorriendo cada rincón argentino dió fruto a éste legado cultural. Poetas, maestros, alumnos, músicos, y la tierra misma, juntos en una película auditiva fascinante!!!.
León Gieco junto a Leda Valladares grabaron en el cementerio de Maimará, en las ruinas de los indios Quilmes y en el anfiteatro de el Cadillal en Tucumán. Leda recopiló un montón de bagualas, algunas de más de 400 años de antiguedad que han ido pasando de generación a generación. También, en una casa de adobe de Amaicha, grabó a la gran bagualera del norte argentino Gerónima Sequeida.
Canto colectivo en el Anfiteatro Natural de Piedra en los Valles Calchaquíes. Un grupo de 1500 chicos tucumanos reunídos para cantar bagualas y vidalas. La grabación se realizó con un sistema holofónico que es lo más parecído al oido humano, captando los sonidos en un ángulo de 360 grados dando la sensación de espacialidad natural.
León Gieco junto a Isabel Parra grabaron a orillas del canal de Beagle frente a la frontera chilena, a orillas del rio Pipo y en Ushuaia Tierra del Fuego.

"…y que se acaben los ruidos en la frontera

por un puñado de tierra no quiero guerras."

"cuándo será ese cuándo , señor fiscal

que la america sea sólo un pilar"




La dirección y producción musical estuvo a cargo de Gustavo Santaolalla. Participó tambien como músico, tocando guitarras, charango, percución y voces. Gustavo creía firmemente en el proyecto, en todo momento fue el motor y el timón de el barco. Fué quizás el primero que integró la tecnologia MIDI a la música tradicional.
En muchas ocaciones, la música, la danza, la artesanía, y muchas otras formas de expresión cultural se mezclaban para dar forma en plenitud al folcklore argentino. La idea era integrarse con todo tipo de artistas, y que ellos mísmos determinaran el límite cultural de este proyecto. El resultado, una verdadera obra maestra.








1. Esos ojos negros
2. Don Sixto Palavecino
3. Por el camino perdido
4. Príncipe azul
5. Para Pete
6. Cola de amor
7. Camino de llamas
8. Carito
9. No existe fuerza en el mundo
10. Yo vendo unos ojos negros









1. Los chacareros de dragones
2. En la frontera
3. Vidala del monte
4. Chacarera del violín
5. Kilómetro 11
6. Canto en la rama
7. Ay naranjal
8. Dimensión de amistad
9. No sé qué tienen las penas
10. Indiecito latino
11. Grillito del pueblo
12. Agüita de Putiña
13. Del brazo con la suerte
14. Maturana










1. El canto del tero
2. Amigos tengo por cientos
3. La gritona
4. Sobre las flores
5. Solo como el cardón
6. Las hojas tienen mudanza
7. Me voy quedando
8. Dale soga nomás
9. La calandria
10. Baguala centrífuga [potpurrí]
11. Los pueblos americanos
12. Pai Julián
13. Baguala para mi muerte












1. Cuando oigo sonar la caja
2. Me la paso cantando
3. Esta comparsa
4. Tengo una vaquita
5. Torito cumbreño
6. Maturana (versión instrumental)
7. Maturana (versión cantada)
8. Maturana (ensayo con León)
9. Que se viene el agua
10. Yo vendo unos ojos negros
11. Me caballo bayo
12. Por lo que me gustan las uvas
13. Para Ale
14. Zamba de los yuyos
15. Adiós pueblito de Iruya
16. Con cuchillo de palo
17. La del encuentro
18. Coplas populares
19. Sólo le pido a Dios
20. Soy la que pinta las uvas
21. Maturana (versión en Cañada)
22. Brazo de guitarra


PANTERA- Vulgar Display Of Power (1992)



¿El mejor disco de la década de los noventa? Quizá suene demasiado pretencioso… ¿Uno de los diez mejores? Sin duda alguna. PANTERA cambiaron la forma de entender el metal con este trabajo. No es descabellado decir que tanto Phil Anselmo como Mike Patton marcaron una generación a nivel vocal en la que muchos cantantes vieron ejemplos a seguir; uno en su vertiente más agresiva, y el otro en la más melódica y alternativa. Además, Pantera contaban en sus filas con otro ejemplo para muchos, el guitarrista Dimebag Darrell.



El grupo nacen a principios de los años 80, cuando los hermanos Abbot, Vincent Paul (amante del jazz) y Darrell Lance, más conocidos como Vinnie Paul y Diamond Darrell deciden montar un grupo junto al cantante y guitarra Terence Glazer y al bajista Rex Brown. Denominados Panther en un principio, optaron por Pantera tras descubrir que el primer nombre estaba registrado. Sus primeros discos eran propios de una banda de hard rock, acompañados de una estética cercana al glam. En esta etapa editaron ‘Metal Magic’, ‘Projects In The Jungle’ y ‘I Am The Night. Tras estos tres trabajos deciden echar a Glazer de la banda, lanzándose a la búsqueda de un vocalista más abierto de miras para el estilo de la banda. Es en 1987 cuando hace aparición Phil Anselmo, uno de los cantantes más completos de la historia del metal. Con solo dieciocho años graba “Power metal”, donde ya se ve una evolución en el sonido del grupo, y no es de extrañar, teniendo en cuenta que las bandas favoritas de Anselmo eran Slayer, Venom, Metallica, Iron Maiden, Black Sabbath…



Empiezan la década fichando por el sello ATCO (filial de Atlantic) y rompen con su pasado. Su primera obra en los 90, ‘Cowboys From Hell’ marca un nuevo nacimiento en Pantera; el sonido de la banda se va asentando, con un soplo de aire fresco en el panorama de la música por aquella época. Anselmo empieza a mostrar sus dotes como vocalista y sus diferentes registros y Dimebag lo que se puede hacer con ingenio y una guitarra en sus manos.Pero lo mejor estaba por venir, y la continuación superó al predecesor de manera sobrada. Haciendo un inciso en la grabación de ‘Vulgar Display Of Power’, formaron parte del Monsters of Rock de 1991 junto a ACDC y Metallica, y es año siguiente en el que el grupo se pone en boca de todos con la publicación de este disco. El álbum llegó en plena revolución musical de los años 90. Por un lado estaban los experimentos de Faith No More y su ‘Angel Dust’ y Red Hot Chili Peppers con ‘Blood Sugar Sex Magic’; por otro, el fenómeno grunge encabezado por Nirvana y el multimillonario ‘Nevermind’; y por último, el cambio de Metallica con su disco homónimo de 1991. Simplemente un hecho para entender el fenómeno de este cuarteto: el single “Mouth For War” entró directamente al número uno de ventas en EEUU, desbancando por aquel entonces a ‘Enter Sandman’ de los citados Metallica, permaneciendo el álbum cuarenta y una semanas en la lista.



El disco se abría con dicho tema, canción que versa sobre el turbio pasado de Anselmo; un corte seco, directo, mostrando un grupo haciendo un disco de thrash moderno, con la peculiar y genuina voz de un Phil que impactó a toda la comunidad metalera no solo con su estilo, sino con su tatuado cuerpo y su cabeza rapada. Todo el álbum es un no parar de temas para el recuerdo. ‘New Level’, más heavy y pesada, continuada por ‘Walk’… y rematada por completo con ‘Fucking Hostile’, corta, intensa, agresiva… así son Pantera.

La primera pausa relativa del disco viene con ‘This Love’, donde la dualidad de amor-odio calma en algunas partes al grupo. Nada más lejos de la realidad, ya que los estribillos se muestran igual de contundentes que los anteriores temas, y la velocidad vuelve con ‘Rise’, una premonición de lo que les sucedería, pues el grupo desde ese momento no paró de crecer. ‘No Good (Attack The Radical)’ fue criticado por algunos medios por alguna referencia racista que el grupo negó en todo momento; la personalidad de Anselmo y sus letras siempre estuvieron en el punto de mira. Dimebag muestra uno de sus trabajos más espectaculares en ella acompañando a la voz melódica de Anselmo, y vuelve a destacar con nombre propio en ‘Live In A Hole’. El nivel baja un poco con ‘Regular People (Conceit)’, pero el final es el mejor de los posibles. Por un lado, ‘By Demons Be Driven’, desquiciante, lenta, muy en la línea de la estructura de los primeros cortes del álbum; por otro, ‘Hollow’, el tema más lento y triste del disco, donde Anselmo abre su corazón en referencia a, presumiblemente, la perdida de un ser cercano. Entre tanto riff y tanta descarga de brutalidad, Pantera demuestra que saben hacer temas lentos… con un final donde vuelven a demostrar que lo suyo es la contundencia.



Algunos piensan que lo que marcó el principio de todo fue el ‘Cowboys From Hell’, otros creen que la brutalidad del ‘Far Beyond Driven’ o ‘The Great Southern Trendkill’ fue la cota más alta en la carrera de Pantera… pero sin duda, si hay un disco por el que serán recordados, será ‘Vulgar Display Of Power’. Los malos rollos en el seno del grupo serían posteriores, pero ni uno con Down y Superjoint Ritual ni los otros con Damage Plan se acercaron a lo conseguido con su banda original. Y por desgracia, si hay un hecho por el que serán más recordados, será por el asesinato de Dimebag Darrell la noche del ocho de Diciembre del 2004, donde un loco hijo de puta mató a uno de los mejores guitarrista de la historia del metal durante un concierto de Damage Plan, aparte de gente del público y técnicos de sonido. Descansen en paz tres años después…
Redaccion

01 - Mouth for War
02 - A New Level
03 - Walk
04 - Fucking Hostile
05 - This Love
06 - Rise
07 - No Good (Attack the Radical)
08 - Live in a Hole
09 - Regular People
10 - By Demons Be Driven
11 - Hollow



Dividos-Acariciando lo Aspero (1991)



Acariciando lo Aspero, de 1991, fue el segundo disco de Divididos,la aplanadora del rock n' roll, banda formada por dos ex-integrantes deSumo, Ricardo Mollo(guitarra y voz) y Diego Arnedo(bajo), y que ha contado con distintos bateristas a lo largo de su historia, en el período 1990-1995, quien se encargó de los tambores fue Federico GilSolá.
Acariciando lo Aspero está considerado entre los mejores discos de la banda y difiere del álbum debut marcando un distanciamiento entre el sonido de Sumo y el de Divididos.


1. El 38
2. Sábado
3. Cuadros colgados
4. Cielito lindo
5. Qué tal
6. Sisters
7. Ala delta
8. Azulejo
9. El burrito
10. Jamelosapoaí
11. Paraguay
12. Voodoo Chile
13. Haciendo cola para nacer



Pink Floyd- P.u.l.s.e. (1994)





P.U.L.S.E. es básicamente el registro de uno de los últimos conciertos de la gira Division Bell. Grabado en el Earls Court de Londres en Octubre de 1994, como un especial para televisión, no tardó en comercializarse en VHS y LaserDisc.
Mucho se ha dicho que P.U.L.S.E. constituye el último registro de Pink Floyd en vivo. Y aunque a nivel industrial así lo es, no hay que ser ciegos ni sordos para percatarse que las recientes giras en solitario del guitarrista David Gilmour y del bajista Roger Waters no son más que tours de Pink Floyd con otro nombre. Lo mismo vale para la reunión del Live 8 el año pasado, otro ejemplo de que después The Beatles, Pink Floyd es el marca inactiva más “activa” del rock. Y el dato de que la edicion de este concierto en DVD debutara número 1 en las listas de todos los países, da luces del peso y el impacto que el grupo aún arrastra.
P.U.L.S.E. está dividido en dos discos. El primero parte con una inmejorable versión de “Shine on you crazy diamond” para luego recorrer lo mejor del disco Division Bell, excusa de la gira del 94. Temas como “High Hopes” y “Coming back to Life” ganan mucho en vivo, condenados a convertirse en clásicos de la banda, tan válidos como cualquier tema de The Wall o Meddle. El primer volumen regresa a la etapa clásica floydiana con “Another brick in the Wall. Part 2”
Pero indiscutiblemente la joya viene en el segundo volumen, donde Gilmour, Mason y Wright, más una manada de sesionistas -entre los que destacan el tecladista Jon Carin y la corista Sam Brown (chica rubia responsable de ese one hit wonder en solitario que fue “Stop”)-, interpretan a cabalidad Dark Side of the Moon, opus fundamental en la historia de la banda. Y es precisamente al final de esta entrega cuando más se extraña la ausencia de Roger Waters. La voz de Gilmour no alcanza el dramatismo necesario para darle carácter al epilogo “Brain Damage/Eclipse”, algo que se repite en “Confortably Numb” y "Run Like Hell”, donde a pesar de los solos inigualables del guitarrista líder, las voces de “auxilio” no dan el tono épico para los duetos vocales originales entre Waters y Gilmour. La ausencia de Waters no pena como un fantasma, pero uno sabe que mucho de lo que este registro entrega mejoraría mucho si el mítico bajista hubiese estado ahí, junto a sus camaradas. Eso sin embargo no desentona ante el hecho de que ver este concierto es experimentar casi en vivo y en directo la experiencia de estar ante el equipo estereofónico más monumental y perfecto de la historia de la música popular. Mason es un baterista correcto que sabe apoyarse en las percusiones de su compañero Gary Wallis, Wright sigue siendo el arquitecto de los colchones de teclado más hermosos del planeta y su trabajo a dúo con Carin eriza los pelos. El bajista Guy Pratt explota en las cuatro cuerdas con un talento instrumental –auque le duela a los puristas- muy superior al de Waters. Pero si hay alguien que reina sobre el escenario, ese es David Gilmour. Hace un tiempo Pete Townsend de The Who dijo, respecto de su amigo Gilmour, que era el guitarrista con sonido más único de la escena británica, el único al cual por más que trataba no lograba igualar. Brian May de Queen ha repetido elogios similares y basta sentarse a experimentar “Shine on you crazy Diamond” para darse cuenta el porque del respeto y la admiración que el cantante y guitarrista despierta entre sus pares.

Sonido monstruoso, una presentación historica. P.U.L.S.E. lo tiene todo para ser una obra maestra. De hecho lo es, sino fuera por la ausencia de Waters, algunos extras de más y esa honda sensación de que quizás sea lo último editado bajo la marca Pink Floyd que queda mientras se apagan los ultimos gritos. El adiós, en todo caso, es con fuegos artificiales.




1. "Shine on You Crazy Diamond"
2. "Astronomy Domine" (4:20),
3. "What Do You Want From Me"
4. "Learning to Fly"
5. "Keep Talking"
6. "Coming Back To Life"
7. "Hey You"
8. "A Great Day For Freedom"
9. "Sorrow"
10. "High Hopes"
11. "Another Brick In the Wall (Part Two)"







1. "Speak to Me"
2. "Breathe"
3. "On the Run"
4. "Time"
5. "The Great Gig In The Sky"
6. "Money"
7. "Us And Them"
8. "Any Colour You Like"
9. "Brain Damage"
10. "Eclipse"
11. "Wish You Were Here"
12. "Comfortably Numb"
13. "Run Like Hell"


 
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